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ERA - AMENO : El que canta, Ora dos Veces (San Agustín)

 Cuando se escucha por primera y sucesivas veces, esta pieza de ERA, creada por Eric Levi, se sufre una impresión de impacto, especialmente quienes no tenemos el oído sistemáticamente acostumbrado al canto gregoriano, al menos el original.  La melodía envuelve, penetra los sentidos, se queda ahí, resonando, multiplicando sus ecos y la riqueza melódica de la fusión , canto gregoriano, música orquestal y electrónica que ha recibido el nombre de NEW AGE.  Sin embargo, lo que más llama la atención, es la cantidad de criterios que se han producido por el contenido de la letra. Desde considerarlo un canto sagrado hasta afirmar rotundamente que el texto es diabólico, cada uno con sus matices teñidos de prejuicios. Toda opinión es subjetiva, por supuesto, y  su carga ideológica pretende influir, de alguna manera, en el pensamiento ajeno.

Lo cierto es que el Canto Gregoriano es de muy antigua data, pero la literatura afirma que su nombre se debe a la labor de Gregorio I (siglo VI), quien organizó, seleccionó y dio sistematicidad a los textos de los cantos para hacerlos coincidir en el calendario litúrgico de la Iglesia de Roma. Esa recopilación es la que da origen precisamente a los libros litúrgicos.  Por esas razones, el canto gregoriano se halla estrechamente vinculado a las ceremonias eclesiásticas cristianas.  No obstante, a pesar de esto, constituye una obra de arte y puede ser considerada el canto de todos.

 Pero volviendo a la letra de ERA – AMENO, en efecto, la confusión por el texto puede deberse a muchas razones, desconocimiento del Latín, lengua en la cual se encuentra buena parte del texto, el efecto impresionante de la coincidencia melódica con el texto o, simplemente, porque es una creación distinta. El texto de AMENO recuerda aquel maravilloso recurso de Jorge Luis Borges, quien en sus epígrafes hacía uso de citas, (generalmente impactantes o mordaces), a las cuales les suscribía un autor. Por ejemplo, Leviatán,  pero ni autor ni texto existen. Es lo que se deduce de la letra de Levi,  tal vez fusionando en la letra diversos recursos como hizo con la música.

De acuerdo con las traducciones que existen, es un canto, un clamor de ayuda, de petición,  un deseo de conocimiento, de revelación de secretos: “Llévame adentro/absórbeme, tómame/líbrame/líbrame/descúbreme/descubre mis señales/confórtame/mírame/mírame/siente mi dolor”. Esto es, más o menos lo que se tiene como parte de la traducción del texto. Sin embargo, el texto se muestra como desconectado entre sí, semeja más  una letanía o un mantra, tal vez en esa incoherencia radica su misterio y su magia. Es posible que sea, como afirmamos, que el autor haya hecho uso de un “collage” de textos cuyo origen sean lo salmos o los cantos célticos, puestos en Latín y en algunos recursos onomatopéyicos.  Los primeros por su sentido exclamatorio; los segundos, por su riqueza moralizante y humana.

Así, encontramos en Los Salmos “Alivia la angustia de mi corazón/guarda mi vida/líbrame/ el Señor le indica el camino que ha de seguir. (Salmo 25). Es decir, le revela sus secretos a quienes le temen (lo respetan).

Ejemplos hay muchos otros, “Atiende mis clamores/que estoy agotado/líbrame de mis perseguidores/que son más fuerte que yo”. (Salmo 141).

Como quiera que haya sido, Levi creó una obra de arte a partir de otras creaciones,  una especie de intertextualidad literaria y musical. Es una alegría saber que las generaciones actuales han sido gratamente impresionadas con AMENO y otras que integran el repertorio musical de ERA.  Quizá ERA permita que las claves teológicas se reactiven en la mente de aquellos feligreses que salieron huyendo despavoridos de las iglesias por causa de la conducta poco ortodoxa de sus oficiantes.  De todos modos, las opiniones siguen abiertas, pero,  especialmente, es más grato aún saber que ha desatado toda una ola de análisis y traducciones que, tal vez, se estrellen en la ironía borgiana. Como ésta que se esboza aquí.

                                                                                        Frida

 

 

 

 

Era - Ameno

EL AUTOR :

Eric  Levi

Era es el proyecto musical del francés Eric Lévi. En este proyecto, gran parte de las canciones están basadas en el canto gregoriano medieval en latín, específicamente en el estilo, ya que no se trata de música religiosa. Este estilo, se podría describir como New Age, similar al de otros artistas como Enya, Enigma y Deep Forest.

Historia

El significado de ERA : Enminential Rythm of the Ancesters A finales de marzo de 2003, Eric Lévi crea The Mass, su tercer disco al frente de esta banda - proyecto llamada Era. En poco tiempo las ventas de su nuevo álbum, se coloca en los primeros lugares en Europa y México, ganándose así, discos de Oro y de Platino. Y es que la mezcla de Carmina Burana, del legendario Carl Orff, y Divano de Eric Lévi; hacen recordar los tiempos o la Edad Media. Así mismo, The Mass, tomó gran importancia para una telenovela brasileña - marroquí, transmitida en Venezuela, Chile, Argentina, México y Estados Unidos: El Clon. Looking for something fue el siguiente corto. En el cual su video filmado en la ciudad de New York, cambia en forma radical, a como Levi los había hecho antes, tipo medievales. Looking for something como su nombre lo dice, busca algo que no se ha encontrado. Después el DJ Darren hizo la mezcla para esta canción y así, convertirlo en el siguiente corto. Casi al mismo tiempo. Don't go away es el último corto, y en febrero de 2000, se vendieron 401.544 copias, en Francia. Y para cerrar el 2000, un recopilatorio con las mejores canciones de Era en su disco: "The very best of: era". Es un disco doble, el primero incluye 16 canciones, solo una inédita: I believe. asi canciones como Ameno, Mother, Divano, Sentence, The Mass, Looking for something, por mencionar algunas. El segundo disco es un DVD conteniendo la colección completa de videos grabados por Era. Una de las canciones que más exito obtuvo ERA fué sin duda "Ameno", una bella canción.

Discografía

* Era, 1998
* Era Volumen 2, 2001
* The Mass, 2003
* The Very Best of Era (compilación), 2005

¿Quien es Eric Lévi?

Eric Lévi (el nombre verdadero Eric Jacques Levisalles), nacido 1955 en París, Francia, es un músico mejor conocido como el cerebro detrás de Era.

En 1977 Eric Lévi fundó la banda de rock Shakin' Street. Más tarde Shakin' Street se disolvió en 1981. Luego en su carrera, Eric Lévi escribió la cuenta musical a varias películas, inclusive L'Opération Corned-beef y la comedia Les Visiteurs que era un éxito internacional y una de las películas más prestigiosas de aquel tiempo en Francia.

El álbum Era en 1997 resultó ser un golpe total, llegando a ser el álbum más exportado desde Francia con un poco más de 6 millones de copias vendidas. Su continuación, Era Volumen 2fue lanzado en 1999, seguido por The Mass en 2003. La trilogía es caracterizada por una mezcla de rock, Dj., y del seudo canto Gregoriano que caracteriza a todas las canciones de Era.

 

 

          

Salmos:

Poema Hazme Justicia Señor (salmo 25) de Ernesto Cardenal

Hazme justicia Señor
porque soy inocente
Porque he confiado en ti
y no en los líderes

Defiéndeme en el Consejo de Guerra
defiéndeme en el Proceso de testigos falsos
y falsas pruebas

No me siento con ellos en sus mesas redondas
ni brindo en sus banquetes
No pertenezco a sus organizaciones
ni estoy en sus partidos
ni tengo acciones en sus compañías
ni son mis socios

Lavaré mis manos entre los inocentes
y estaré alrededor de tu altar Señor

No me pierdas con los políticos sanguinarios
en cuyos cartapacios no hay más que el crimen
y cuyas cuentas bancarias están hechas de sobornos

No me entregues al Partido de los hombres inicuos
¡Libértame Señor!
Y bendeciré en nuestra comunidad al Señor
en nuestras asambleas.

                

    

LA LETRA :  

 Dori me interimo                                                         

       

Adapare
Dori me
Ameno Ameno
Latire
Latiremo
Dori me

Ameno
Omenare imperavi ameno
Dimere Dimere matiro
Matiremo
Ameno

Omenare imperavi emulari
Ameno
Omenare imperavi emulari

Ameno
Ameno dore
Ameno dori me
Ameno dori me

Ameno dom
Dori me reo
Ameno dori me
Ameno dori me
Dori me am

Ameno
Ameno

Ameno
Omenare imperavi ameno
Dimere dimere matiro
Matiremo
Ameno

Omenare imperavi emulari
Ameno
Omenare imperavi emulari

Ameno
Ameno dore
Ameno dori me
Ameno dori me

Ameno dom
Dori me reo
Ameno dori me
Ameno dori me
Dori me am

Ameno
Ameno
Ameno dori me
Ameno dori me
Dori me...

Ameno
Ameno dore
Ameno dori me
Ameno dori me

Ameno dom
Dori me reo
Ameno dori me
Ameno dori me

Ameno
Ameno
Ameno
Ameno dori me
Ameno
Ameno dori me

Ameno dom
Dori me reo
Ameno
Ameno dori me
Ameno
Ameno dori me 

                                                                

                                                                                  

 

 

ERA - AMENO

ERA

AQUILES BAEZ Y AQUILES MACHADO : Canto a la Patria

AQUILES BAEZ:

Báez nació en Caracas en 1964, y aunque estudió y se crió en la ciudad capital, los recuerdos más bonitos de su niñez los tiene en La Vela de Coro, a donde iba a disfrutar con sus familiares cada momento libre que tenía. Desde hace 150 años, pertenece a su familia una bella casa del siglo XVII, a pocos metros de la costa donde Francisco de Miranda izó por primera vez la bandera tricolor de Venezuela en 1806. Es cariñosamente conocida como "La Casa Azul". Tiempo después, Báez compuso una canción con el mismo nombre, que incluyó en su tercer disco, y que lo lanzó a la fama.

Báez empezó a interesarse por la música gracias a su hermano mayor, Julio, quien le enseñó a tocar cuatro. Poco después, tomó clases de viola, mandolina y percusión. Había tocado algo de guitarra, pero no le llamaba mucho la atención. Sin embargo, el mismo Báez aclara: "la guitarra me había escogido a mí y yo no me había dado cuenta". Inició sus estudios en el conservatorio Simón Bolívar, en Caracas, pero a la par tuvo una enseñanza muy importante que lo ayudó a convertirse en el músico que es hoy: la calle. Báez estaba en un salón de clases en el día, pero en la noche salía a tocar su instrumento en el mundo real, a acompañar bandas de música folklórica, de jazz, de boleros y de música tradicional, entre otros. Tener la academia en el día y la calle de noche fue su aprendizaje más importante.

Ya a los 19 años, Báez era un músico reconocido y respetado. Artistas de toda talla lo buscaban para que los acompañara. Es en esta época cuando el cineasta Román Chamorro le propone componer la música para su cortometraje, "El Rebusque". Báez decide probar la nueva experiencia de componer música para cine, y le gustó tanto que hasta la fecha ha escrito melodías y arreglos para unos 15 cortometrajes y películas.

A los 32 años, Aquiles siente la necesidad de expandir sus horizontes musicales, y se dirige a la ciudad de Boston en Estados Unidos para estudiar en el prestigioso Berklee College of Music. Sin embargo, en menos de dos semestres siente que simplemente está aprendiendo lo mismo que ya sabía, pero en inglés.

Decide probar en otra institución de mayor nivel académico, el New England Conservatory también en Boston, pero nuevamente a los dos semestres se da cuenta que ya ha llegado al punto en su aprendizaje, en el que necesita buscar maestros que sepan responder a sus necesidades individuales; y es así como, ha complementado su educación musical.

Su alto nivel se evidencia en el hecho que, aún sin tener un título a su nombre, el Berklee College of Music lo llama para que forme parte de su plantilla de profesores. Como maestro, enseña las cosas que aprendió con la experiencia y que hacen su música tan especial: tocar fuera de la métrica y despojarse de los esquemas metronómicos que normalmente se inculcan en las escuelas de música.

En su carrera musical, Aquiles Báez ha grabado y compartido escenario con artistas de gran talla, entre los que se encuentran John Patitucci, Worlds of Guitars, Paquito de Rivera, Ilan Chester, Ensamble Gurrufío, entre muchos otros. Además, ha tenido la oportunidad de tocar con la orquesta sinfónica de Boston y varias orquestas venezolanas. En la actualidad, Báez da unos 200 conciertos al año, de los cuales aproximadamente veinte son como solista.

 Discografía de Aquiles Báez:
-Aquiles y su música (1993)
-El Piache (1994)
-La Casa Azul (1994)
-Taratara (1997)
-Rasgao (1993)
-Reflejando el dorado (2003).

Fuente: http://www.mipunto.com/temas/1er_trimestre05/aquilesbaez.html

Cómo Piensa:

“Yo creo que uno es un vehículo de algo superior a uno, un vehículo de algo que puedes llamar como quieras, pero cuando uno está conectado con esa energía, con ese amor que hay que darle a las personas, tú sientes que la música es un acto de amor. Por eso yo creo que es importante que la música realmente auténtica”, asegura.

“yo amo la música”

“La gente que hacía música tradicional venezolana decía que yo era demasiado ácido, los que hacían jazz y otras tendencias más voladas decían que yo era demasiado folklórico, para los músicos populares era demasiado académico, y para los músicos académicos era demasiado popular”, recuerda el artista, concluyendo que a raíz de la polémica inútil y teniendo muy presente su “echadera de vaina muy venezolana” que demuestra tener, decidió autodenominarse como intérprete de folklore heavy.

La capacidad de “decir algo con la música” y de ser realmente auténtico son dos características que Aquiles Báez considera imprescindibles para cada músico.

Según él mismo explica, sus propuestas “a veces jalan hacia un lado más virtuoso y otras hacia uno más interior”. “Lo importante es decir algo con la música, no importa si son dos notas o son 20. Eso lo hemos olvidado”

Fuente: http://valencia.com.ve/2005/09/20/aquiles-bez-cuando-el-alma-toca-la-guitarra/

 

 

 

AQUILES MACHADO:

Aquiles Machado (Barquisimeto, 1973), tenor Venezolano. Estudió canto en el Conservatorio Simón Bolívar y la Compañía Nacional de Ópera en Venezuela, guiado por el profesor de canto, el barítono y también Venezolano William Alvarado. Entre 1994 y 1997 estudia con Alfredo Kraus en la Escuela Superior de Música Reina Sofía, España. Debuta en 1996 con Nemorino (L’elisir d’amore) en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela junto a Sara Catherine y Carlos Riazuelo.

Ha actuado en los más importantes teatros europeos especialmente en Italia y España. En el 2007, es el primer Venezolano que debuta en la Scala de Milán, en el rol de Pinkerton de la Ópera Madame Butterfly de Puccini. En el 2002 es el primer Venezolano que actúa en el Metropolitan Opera House de New York, donde interpretó el papel de Rodolfo en La Bohème.

Su mejores cualidades vocales son: un hermoso timbre de tenor lírico, la perfecta dicción, el volumen, la potencia, la proyección de su voz y el brillo de sus agudos.

En la actualidad su vocalidad está cambiando y pasando a tener un color más oscuro para encarar papeles de historias más intensas y llenas de dramatismo.

Sus óperas más emblemáticas son Elixir de Amor, La bohème, Rigoletto, La traviata, Werther, Los cuentos de Hoffman y Lucia di Lamermoor. Su repertorio también incluye papeles de Gounod y Massenet.

Recientemente ha editado junto con el guitarrista Aquiles Baez y la intervención de destacados músicos, un interesante dvd donde interpreta canciones del repertorio Venezolano, con excelentes resultados (de colección)

Fuente: http://www.barquisimeto.com/2007/04/09/aquiles-machado-con-sello-del-estado-lara/

 

 

Cómo Piensa:

"Cuando estoy en el escenario me entrego con absoluta sinceridad, hasta la muerte, hasta las últimas consecuencias", dijo Machado en una entrevista con Efe pocas horas antes de su debut en el Teatro la Zarzuela de Madrid, el coliseo por antonomasia de ese género.

Y para iniciar el camino del cambio, el tenor considera la música como una extraordinaria terapia y se muestra partidario de distribuir instrumentos musicales entre los niños.

"Un niño con un violín en la mano tiene menos posibilidades de ser delincuente que un niño en la calle", afirma Machado que ensalza la labor que desde hace años lleva a cabo la Joven Orquesta Sinfónica Simón Bolívar.

 

 

 

Aquilez machado -mi mujer es caña dulce

Aquiles Machado & AquilesBáez

 

05 apure en un viaje

Aquiles Baez

 

06 desesperanza aquiles machado & aquiles báez

Aquiles Baez

 

Aquiles machado & aquiles báez - zumba que zumba

Aquiles Baez

 

Aquiles baez- acidito

Aquíles Machado y Aquiles Baez

 

11 tu boca

Aquiles Baez

 

Aquiles baez- maracaibera

Aquíles Machado y Aquiles Baez

 

03-viajera del río aquiles machado & aquiles báez

Aquiles Baez

CONVERGENCIA : "Alma Doliente Vagando a Solas..."

NOVELESCO INSOMNIO DO VIVIÓ EL AMOR ... Bien decía André Bretón que para la creación, es preciso que el poeta sea "víctima de una emoción particular". Esa sensación es la que se palpa cuando se escucha CONVERGENCIA. Una sintonía particular entre canto y armonía, letra y música que entra sin intermediarios a la comprensión de quien la escucha y rompe los cristales que guardan con tanto celo las pasiones interiores. Hermosa, sencilla, poética, CONVERGENCIA, habla de una ilusión, del sueño de un amor idealizado, profundamente sentido, aunque sin correspondencia con la realidad, sin lograr coincidencia con el mundo objetivo.  Por eso, es también un canto a la soledad. Como quiera que se mire, cada verso es una pincelada de calor que mitiga los inviernos del alma. Tal vez ahí radica su magia, en mostrar en su escenario musical aquello que cada uno de nosotros alguna vez ha llorado por dentro.

                                                                                                                                Frida

LOS AUTORES:

BIENVENIDO JULIÁN GUERRA:

Según cuenta el periodista y musicólogo Lino Betancourt, quien tuvo la dicha de conocerlo, “la explicación está dada en que Bienvenido era un genio, modesto, sencillo... Un hombre mitad bohemio, mitad indigente que a veces se confundía con un loco porque era descuidado en el vestir. Hablaba solo por la calle. Yo creo que era porque en su cabeza estaba surgiendo una nueva melodía, un nuevo verso”.

… Su paso inestable por múltiples tabaquerías lo alternaba con las rumbas de cajón que se ofrecían en los barrios de Jesús María y Cayo Hueso. Fue allí, afirma Lino, “donde conoció a Ignacio Piñeiro, quien lo invitó a formar parte de la clave Los roncos. No resultó porque no era cantante, pero empezó a componer rumba y guaguancó”.

De esta forma se inició una carrera prestigiosa que sumó cerca de 500 obras, aunque no pueden definirse, en el sentido más estricto, como trovadorescas porque “no cantaba ni tocaba guitarra y el trovador es quien acompaña sus propias obras o las de otros con la guitarra”.

El primer tema relevante de Bienvenido fue el bolero son Ojeras, popularizado por el cuarteto Antonio Machín. Luego compuso El huerfanito, que todavía se oye con agrado en la voz de Abelardo Barroso y existen otras canciones famosas como Madre, no me pidas que la quiera, Qué extraño es eso, Habitante, Azúcar pa´ un amarga´o, Naranja de China, Los tres juanes, Don Ramón y El diablo Tun tún, este último ha servido para nombrar la sala de la Casa de la Música de Miramar.

……

En cualquier caso, … Bienvenido Julián Gutiérrez vuelve con el título de trovador “como homenaje póstumo a la grandiosidad de su obra poética y musical, porque es el título más grande que puede recibir un músico”, porque así lo han querido sus seguidores, incluso los más ingenuos que han entonado sus letras sin saber de quién se trataba, porque, como dijera Silvio en Amanecer, tema del CD Expedición homenaje a Guerra y Gutiérrez por la feliz Convergencia: “Qué musa maravillosa/ habrá bajado a besarte/ y qué delicia tortuosa/ habrá sentido al dejarte... Desde que hallaste la musa/ que te llevó a la locura,/ canta tu línea inconclusa/ la misma recta sin cura”

Fuente: http://www.soycubano.com/bijirita/musica/bienvenido_trovador.asp

 

MARCELINO GUERRA:

Marcelino Guerra nació en Cienfuegos el 26 de abril de 1914 y vivió gran parte de su infancia y adolescencia allí, aunque su trayectoria artística se desarrolló en la capital cubana, en lo fundamental; y parte de ella en el exterior.

Aseguran sus biógrafos que el apodo de Rapindey le vino de la inusitada rapidez con que daba cumplimiento a los mandados que hacía a la gente de clase media para ganarse algunos centavos.

Pero la agilidad del pequeño Guerra no sólo se limitaba a resolver con soltura los encargos; también comenzó, de a poco, a manifestarse en la música. Ya a los seis años, hacía sus maromas con la guitarra y los pininos en la composición, mediante algunos estribillos infantiles que quizá luego incorporase a cualquiera de sus textos llenos de gracejo popular como los antológicos Pare cochero (coescrita con Miguel Ángel Banguela) y Me voy pa´l pueblo.

Llegó a La Habana en 1931, cuando todavía no había cumplido los 18 años. El tono nasal de su voz comienza a llamar la atención de los directores de algunas bandas, de donde se inicia una sucesión de llamados e incorporaciones para utilizarlo como segunda voz, terreno en el cual fue -a criterio de los especialistas- uno de los mejores de todas las épocas.

Forma parte del Septeto Habanero y del Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro, así como del Conjunto de Arsenio Rodríguez, el Trío Oriental, el Sexteto de Mozo Borgellá y otras agrupaciones, entre las que merece singular recordación el Cuarteto Hatuey.

En este último colectivo musical, Rapindey une sus voces a las de otros tres patriarcas de la música nacional: Compay Segundo, Evelio Machín y Lorenzo Hierrezuelo.

Efectúa sus primeras grabaciones en la década del ´30, justo cuando da inicio a su consorcio autoral con Julio Blanco Leonard, con quien conforma una dupla excepcional para la composición, que labra títulos para el recuerdo, a la manera de Buscando la melodía y La clave misteriosa.

Durante los años ´40, integra orquestas de música cubana radicadas en los Estados Unidos -destaca su labor con Machito-, o bien como voz segunda, o bien en calidad de guitarrista. Aunque dichos grupos incorporaban también varios de los textos por él compuestos.

En el terreno de la composición, Marcelino Guerra le reserva especial atención a la creación de boleros que reflejan, cual resulta usual al género, todas las pasiones, sentimientos encontrados y angustias que tanto gustaba escuchar el público de la época.

El autor de piezas como ese antológico bolero titulado Fuiste cruel o las también gratamente evocadas Un lamento en las tinieblas o Qué me haces mal tuvo entre los interpretadores vocales e instrumentales de su obra a artistas del calibre de Benny Moré, Dizzie Gillespie, Chano Pozo o Tito Puente, por citar unos pocos de los grandes inspirados en sus textos.

Marcelino Guerra abandonó la música en la década de los ´60 y se radica en España, donde fallece el 30 de julio de 1996.

Fuente: http://lecturas.cibercuba.com/2008/06/10/137/marcelino_guerra_un_imprescindible_del_panteon_musical_cubano

 

LA LETRA:

 

Novelesco insomnio de piedras rodando por LáZARO MORELL Si me pidieran una selección de las diez canciones cubanas más hermosas, pasaría mucho trabajo escogiendo las otras nueve. Convergencia es una de esas extrañas ídem, en las que letra y música (de autores distintos) se complementan para producir algo realmente asombroso y que no existía antes. Cristóbal Díaz Ayala la propone como antecedente de la canción moderna, a pesar de sus reminiscencias trovadorescas, quizás porque muchos de sus elementos aparecerán después en la Nueva Trova. No es casual que Pablo Milanés la incluyera en su repertorio ni que haya gozado de más de una interpretación espléndida, como la de Miguelito Cuní en 1958, el primero en hacerla famosa después de años de olvido. En 100 canciones cubanas del milenio, Díaz Ayala cuenta que Bienvenido Julián Gutiérrez le entregó a Marcelino Guerra un papel con una letra a la que ni él mismo ni otros autores habían podido musicalizar. Nunca antes ni después hicieron algo juntos pero con esa fugaz convergencia fue suficiente para que ambos lograran su obra maestra. Caprichos de la creación. El método de la letra no puede ser más parco: dos estrofas. Una, dedicada a describir al sujeto amado, la otra, al protagonista amante. Lo más interesante es que ambas descripciones son una acumulación de tropos sin pretensiones objetivas y, a pesar de todo, sin excesivos lugares comunes ni excesos románticos. Tiene logros muy especiales, como la aclaración que reza "así eres tú en mi corazón" donde, a diferencia de tantas canciones de la trova, se explicita que no se trata de una mujer idílica, sino idealizada. Convergencia (bolero, 1938) Música: Marcelino Guerra (Rapindey) Letra: Bienvenido Julián Gutiérrez Aurora de rosa en amanecer, nota melosa que gimió el violín, novelesco insomnio do vivió el amor, así eres tú, mujer, principio y fin de la ilusión, así eres tú en mi corazón, así vas tú, de inspiración. Madero de nave que naufragó, piedra rodando sobre sí misma, alma doliente, vagando a solas, de playas olas, así soy yo, la línea recta que convergió porque la tuya al final vivió. URL: http://arch.cubaencuentro.com/musica/dulcecantar/2001/10/11/3699.html

 

 

Hermanos Rodriguez - Convergencia

Los Hermanos Rodriguez

 

 

Miguelito Cuní- Convergencia

MIGUELITO CUNI

 

 

Pete el conde Rodríguez y jhonny pacheco - convergencia

JHONNY PACHECO

 

 

Pablo milanés - convergencia

Pablo Milanes

 

John Pazos - convergencia

JOHN PAZOS

 

 

Charanga Forever - convergencia

Charanga Forever

 

Lissette - convergencia

Lissette/Willy Chirino

 

ORQUESTA FILARMÓNICA DE BOGOTÁ :Otra visión de lo popular

El violinista Mario Posada y Raúl García adelantaron gestiones para que en agosto de 1967 se expidiera el Acuerdo 71 del Concejo Distrital que le dio vida oficial a la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Fueron integrantes de la primera Junta Directiva, presidida por el alcalde mayor, Virgilio Barco Vargas: Julia Castro de Delgado, Julio César Sánchez, Carlos Daniel Roca, Jaime Glottmann, Francisco Yezid Triana y Antonio Ordóñez Ceballos.

El 5 de junio se reunió la Junta Directiva, se aprobaron los estatutos de la OFB y se iniciaron los ensayos en vísperas de la celebración del XXXIX Congreso Eucarístico Internacional.

El 19 de agosto se llevó a cabo en el Teatro Colón el primer concierto que dio a conocer a la OFB, bajo la batuta del director Melvin Strauss y con la participación de Frank Preuss, como solista y la soprano Julia Ballesteros.

Jaime Guillén Martínez asumió como Director Invitado. Mario Posada y Frank Preuss actuaron como directores asistentes. Se creó la Orquesta Arcos de la Filarmónica, como resultado del interés de formar grupos de cámara para cubrir simultáneamente varios auditorios en la Ciudad.

Se dio inicio a los conciertos dominicales televisados en Inravisión, con el nombre Música para la juventud, y su primera presentadora fue Silvia Moscovici.

1970
Asumió como Director el español José Buenagu, quien puso especial empeño en el espacio de televisión, el cual hoy conserva el nombre de Música para Todos. En esa época su presentadora fue Ilda Pace de Restrepo. Radio Sutatenza empezó a transmitir los conciertos de la OFB.

1971
Con el aporte del maestro Luis Antonio Escobar se organizaron los primeros conciertos didácticos con temas como: ¿Qué es un vals?, La Sinfonía, El Concierto, Los instrumentos de la Orquesta, y Los Compositores Colombianos.

1972
Se impuso la necesidad de aumentar la planta artística a un número no inferior a 74 profesionales, para interpretar un repertorio que trascendiera las obras del período clásico. Se vincularon los primeros músicos extranjeros que impartieron instrucción y entrenamiento a los locales.

Música para Todos recibió el Premio Ondra como el mejor programa cultural de la televisión colombiana.

1973
Música para Todos recibió, por segundo año consecutivo, el Premio Ondra al mejor programa cultural de la televisión colombiana.

1974
Los músicos de la Orquesta obtuvieron la personería jurídica de Asprofibo, la Asociación de Profesores de la Orquesta Filarmónica de Bogotá.

1975
Por convenio con la Universidad Nacional de Colombia, se empezó a utilizar el Auditorio León de Greiff como sede permanente de la Orquesta.

Mastislav Leopoldovich Rostropovic visitó a Bogotá para tocar con la Filarmónica, pero grupos de protesta hicieron imposible su entrada al Auditorio León de Greiff de la Universidad Nacional.

Con el grupo de actores del Teatro La Candelaria, se montó La Historia del Soldado, de Igor Stravinsky, para la reinauguración del Teatro Municipal Jorge Eliécer Gaitán.

El búlgaro Dimitr Manolov asumió como Director Titular y esto facilitó la vinculación de un buen número de músicos provenientes de Europa, Estados Unidos y Latinoamérica.

Se dio inicio al Ciclo de las Sinfonías de Beethoven.

Se interpretaron los ciclos de las cuatro Sinfonías de Brahms, las 8 últimas sinfonías de Mozart dirigidas por Kamen Goleminov, las 6 sinfonías de Tchaikovsky bajo la batuta de Giorgi Notev, y las 9 sinfonías de Shubert dirigidas por Ricardo del Carmen.

1985
Giorgi Notev dirige el Ciclo de las 4 sinfonías de Schumann; el Ciclo de las sinfonías 1, 5, 6, 7, 9, 10 y 12 de Shostakovich y los 5 conciertos para piano de Beethoven.

1987
La Orquesta interpretó las 12 Sinfonías de Haydn, bajo la batuta de Julián Lombana. El violinista Carlos Villa dirigió e interpretó los 5 conciertos para violín de Mozart y bajo la batuta de Eduardo Carrizosa, se interpretaron las 7 sinfonías de Prokofiev.

1988
Comenzó el Ciclo Mahler, con su Sinfonía 4 , dirigida por Dimitr Manolov También se interpretaron las sinfonías 1, 2, 5, 6 y 9 de Mahler y fueron invitados a dirigir la Orquesta Francisco Rettig y Sergio Arturo Bernal.

1989
Se llevó a cabo un ciclo de conciertos dedicados a la Guitarra Clásica. Se interpretaron obras importantes para este instrumento: el Concierto del Sur, del mexicano Manuel María Ponce; el Concierto para guitarra y orquesta, del brasilero Heitor Villa Lobos; la Sonata, del argentino Alberto Ginastera, y el Concierto para guitarra y orquesta, del venezolano Antonio Lauro.

El maestro de origen chileno Francisco Rettig asume como Director Titular.

^	Maestro Francisco Rettig. Fotografías tomadas de www.classica-int.it y www.semanasmusicales.cl respectivamente

La programación se dedicó a la Bella Música del Siglo XX, con un repertorio con obras de Stravinsky, Debussy, Poulenc, Orff, Pinzón Urrea, Hindemith, Copland, Turina, Kodaly, Brouwer, Lutoslawski, Borda, Ravel, Jachaturian, Gershwin, Kabalevsky, Delius, Villa Lobos, Ginasterra, Elgar, Bernstein, Britten, De Falla, Sibelius, Pulido, Respighi, Nielsn, Milhaud, Gorecki, Holst, Gómez-Vignes, Moncayo, Enesco, Mejía, Barber entre otros.

Concierto en el Estadio Nemesio Camacho, El Campín, de Bogotá, con la participación del tenor italiano Luciano Pavarotti, el jueves 2 de febrero ante 55.000 espectadores, bajo la dirección del maestro Leone Mugiera.

El 30 de marzo, el tenor español Plácido Domingo se presentó con la OFB, también en El Campín, dirigido por el maestro Miguel Roa.

^	Concierto de Luciano Pavarotti en el Estadio el Campín en 1995.

Se publicó el primer disco compacto de la colección Memorias Musicales Colombianas, con temas de compositores colombianos como Luis A. Calvo, Pacho Galán, Jorge Villamil, Arnulfo Briceño, José A. Morales, Lucho Bermúdez, Emiliano Zuleta, Rafael Escalona y José Barros, entre otros. Hasta el momento se han publicado 7 volúmenes.

 

2003
El norteamericano Irwin Hoffman asumió como Director Titular.

2004
El neurocientífico colombiano Rodolfo Llinás Riascos “dirigió” la OFB en el Auditorio León de Greiff, como parte del espectáculo Concierto Cerebro del programa de Conciertos Didácticos, una de las principales iniciativas pedagógicas y de formación de nuevos públicos de la Orquesta.

Se dio inicio al proyecto 2004 – 2008, con Una Maravilla de Concierto con la Orquesta completa y la dirección y montaje escénico de Waldo Urrego y Luís A García. Se contó además, con la participación de actores como Carlos Muñoz, Alberto Saavedra y Santiago Munévar.

El 23 de mayo, el cantante español Miguel Bosé se presentó con la OFB, como narrador de la fábula musical Pedro y el Lobo, de Prokofiev en el Teatro Colón, a favor de las víctimas de minas antipersonal.

^	Miguel Bosé y la OFB

Es nombrado como nuevo Director Titular, el mexicano-español Eduardo Diazmuñoz, quien fue discípulo del reconocido director y compositor norteamericano Leonard Bernstein. El maestro Diazmuñoz en su larga carrera ha sido nominado en 2 oportunidades al premio Grammy. En este mismo año, el maestro Andrés Orozco Estrada, Director Asociado de la OFB, dirige la Orquesta Sinfónica de Viena y se convierte en el primer colombiano en dirigir esa Orquesta.

El maestro Andrés Orozco Estrada, director invitado de la OFB dirige la Orquesta Sinfónica de Viena, y se convierte en el primer colombiano en cumplir esta meta.

Como Director Artístico Asociado de la OFB, el maestro Orozco Estrada dirigió la Orquesta Sinfónica de Alemania en el Auditorio Filarmonía de Berlín.

El 4 de abril la Orquesta Filarmónica de Bogotá, bajo la dirección del maestro Andrés Orozco Estrada, interpretó el Réquiem de Giuseppe Verdi, con la participación de los solistas Florencia Tinoco, soprano; Martha Senn, mezzo soprano; Rodrigo Orrego, tenor; Valeriano Lanchas, bajo; y el Coro de la Ópera dirigido por el maestro Luis Díaz Herodier.

El 17 de mayo, la OFB estrenó la obra Tango, Rock, Viola Concierto, del compositor Benjamín Yusupov, invitado especial a este acto. La dirección la realizó el maestro Ricardo Jaramillo, Director Asistente de la OFB y con Aníbal Dos Santos como solista.

FUENTE:http://www.filarmonicabogota.gov.co/secciones/historia/lineatiempo_dosmil.htm

 

 

 

Orquesta Filarmonica de Bogotá - Prende la Vela

Orquesta Filarmonica de Bogota

 

Orquesta Filarmonica de Bogotá - Momposina

Orquesta Filarmonica de Bogota

Orquesta filarmonica de bogota - pachito eché

Orquesta Filarmonica de Bogota

 

12 La piragua -cumbia - Jose Barros [1]

Orquesta Filarmonica de Bogota

01 - mi buenaventura

FILARMONICA DE BOGOTA

 

El Testamento-Orq. Filarmónica de Bogotá

Orquesta Filarmonica De Bogota

Orquestra filarmónica de bogotá - san fernando

Orquestra Filarmónica De Bogotá

 

10 - Salsipuedes - Porro - Orquesta Filarmónica de Bogotá

ORQUESTA FILARMONICA DE BOGOTA

06 las pilanderas - Orquesta Filarmonica de Bogotá

Orquesta Filarmonica De Bogota

 

Orquestra filarmónica de bogotá - matilde lina

Orquestra Filarmónica De Bogotá

01 la pollera colorá - Orquesta Filarmónica de Bogotá

Orquesta Filarmonica De Bogota

 

12 Cosita Linda, Merecumbé

Orquesta Filarmonica de Bogotá

 

 

ORQUESTA_FILARMONICA_DE_BOGOTA___LA_GOTA_FRIA

ORQUESTA FILARMONICA DE BOGOTA

 

Rafael Hernández : El Cumbanchero de Puerto Rico...

 

Rafael Hernández

Rafael Hernández Compositor Fecha de nacimiento: 24 de octubre de 1892 Lugar: Aguadilla, Puerto Rico Falleció el 11 de diciembre de 1965 Figura cimera de la música popular puertorriqueña durante el siglo XX, la obra de Rafael Hernández trasciende la prueba del tiempo y de las generaciones. Nacido en el pueblo de Aguadilla, a los 12 años inició sus estudios musicales con los profesores José Ruellán Lequerica y Jesús Figueroa. Perfeccionando su técnica en el campo artístico aprendió a tocar instrumentos tan diversos como el cornetín, el violín, el trombón, el bombardino, la guitarra y el piano. En su adolescencia se trasladó a vivir al sector de Puerta de Tierra, en San Juan, y tocó con la Orquesta Municipal bajo la dirección de Manuel Tizol. En 1912 compuso su primera canción, la danza "María y Victoria", pero al llegar la Primera Guerra Mundial, el joven Rafael tuvo que servir en las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos. Integrado a la vida militar, tocó en la Banda de Música del Ejército. Al licenciarse, se radicó en Nueva York donde conoció en la bohemia de la época figuras como Luis Muñoz Marín, Luis Lloréns Torres, Luis Palés Matos y Pedro Flores. Un contrato lo llevó a Cuba, para dirigir la orquesta del Teatro Fausto de La Habana. Luego de cuatro años en la Antilla Mayor, regresó a la Gran Manzana donde organiza el Trío Borinquen. Luego de un breve periodo de éxitos, en el que se destacaron temas de su autoría como "Siciliana", "Me la pagarás" y "Menéalo", el Trío Borinquen se disolvió y Rafael fundó una nueva agrupación. El proyecto, llamado originalmente Grupo Hernández, cambió su nombre por el de Conjunto Victoria. Y con él tuvo uno de los periodos más importantes de su ascendente carrera. Entrada la década del 40, Rafael Hernández viajó a México a cumplir un contrato de tres meses. Pero su estadía en la tierra de Benito Juárez se extendió por espacio de 16 años, casándose entonces allí. En este país, que siempre definió como su segunda patria, cursó estudios avanzados en el Conservatorio Nacional de Música de México, obteniendo el grado de Maestro de Armonía, Composición, Contrapunto y Fuga. Regresó a Puerto Rico en el 1953 y luego de varias exitosas giras a distintos pueblos de la Isla, trabajó como consultor musical en la naciente estación del Gobierno WIPR. Entre el 1956 al 1959 fue electo Presidente Honorario de la Asociación de Compositores y Autores de Puerto Rico. Comprometido con las causas cívicas, fundó junto a otros líderes cívicos la organización de béisbol para niños conocida como "Pequeñas Ligas". El 11 de diciembre de 1965, falleció Rafael Hernández después de una prolongada lucha contra el cáncer. Su legado de arte al mundo abarca prácticamente todos los géneros musicales contando sobre 3,000 composiciones, entre las que se encuentran: "Lamento Borincano", "Silencio", "Ausencia", "Campanitas de Cristal", "Preciosa" y la nana convertida en rumba, "El Cumbanchero". También compuso el corrido mexicano "Qué chula es Puebla", considerado como himno regional de ese estado mexicano. El tema "Linda Quisqueya" es apreciado por algunos dominicanos como el segundo himno de su patria. La obra musical de Rafael Hernández constituye un legado de incalculable valor en el pentagrama de la música puertorriqueña e hispanoamericana. Su vida nos ha quedado como ejemplo imperecedero de sensibilidad, constancia y superación. Y como prueba de su trascendencia en el pentagrama, en las postrimerías del siglo XX, sus canciones han sido incluidas en los repertorios de algunos intérpretes contemporáneos de la salsa, el rap, el reggae, el ska y el rock.

 Fuente: http://www.prpop.org/biografias/r_bios/rafael_hernandez.shtml

 

EL JIBARITO :

Toda música es una fiesta, cualquiera que ella sea, porque embriaga el espíritu. Estrella cristalina que  invade de dicha y hermosura la desnudez del alma. En las arenas movedizas de la vida, en las tormentas y las mareas que revuelven la conciencia, la música es un dulce viento que apacigua los demonios. Como un mago, de una caja de cristal, con una deslumbrante claridad, aparecen las canciones de Rafael Hernández. Desde zarzuelas hasta la cumbancha y la plena. Así, como por obra de una magia poderosa, como cuando los novios, de prisa, se besan en las puertas de la noche,  una inquietud, un torrente indetenible de voces inaudibles susurran la creatividad de un poeta músico o al revés, ¡quién sabe! El Jibarito muestra una dimensión imaginativa sin límites, una querencia, una pasión plasmada en mucho más de dos mil canciones que son testimonio de su sensibilidad. En sus creaciones, es posible sentir que se camina sin moverse, que el sufrimiento tiene un interlocutor, que es posible transformarse en el otro, en esa música, es posible saber que el lenguaje del cuerpo tiene un traductor, en fin, que uno existe. Toda una aventura musical que conduce a la sorpresa de tropezar con inusitados hallazgos. Es "el ánima que lo cruza", por eso, lo simple se vuelve complejo en sus composiciones. Todas las generaciones pueden dar fe de esto, especialmente quienes somos hijos de la radio y de la televisión simultáneamente. Con ellas crecimos y allí asomó su talento Rafael Hernández. Una fortuna  patrimonial de  Puerto Rico..   Frida

 

Tu no comprendes

Alfredo Sadel

 

 

Dimension latina - quisqueya

DIMENSION LATINA

 

 

 

 

03 - victor jara - lamento borincano

VICTOR JARA

 

 

Chucho avellanet - - no me quieras tanto

Chucho Avellanet

 

 

Cachita

Orquesta Sinfonica de Venezuela

 

 

 

-el cumbanchero

ANIBAL VELASQUEZ Y SU CONJUNTO

 

 

01 buche y pluma na'ma

Tito Puente y La Lupe

 

 

Jose feliciano- perfume de gardenias

Jose Feliciano

 

 

Chucho avellanet - pobre gitana

 

 

04 capullito de alheli

Huascar Barradas

 

 

Olga tanon & marck anthony - corazon no llores

Marc Anthony y Olga Tanon

 

 

 

01 malditos celos

WLADIMIR LOZANO

 

 

14 marc antony - preciosa

Marc Antony

 

 

 

 

MORELLA MUÑOZ : Una Voz de la Patria...

                                                                                

                                                                        

 

 Biografía

Nace en Caracas el 29-7-1935
Muere en Caracas el 15-7-1995

La educación primaria la realizó en las escuelas Experimental Venezuela, Ricardo Zuloaga y el colegio San José de Tarbes. En 1946 ingresó en el liceo Andrés Bello, incorporándose de inmediato a su orfeón, dirigido por Lorenzo Figallo Espinal, miembro a su vez del Orfeón Universitario creado y dirigido por Antonio Estévez, quien insistió en su entrada al coro de la Universidad Central de Venezuela; allí en el proceso de selección fue detectada por la profesora de vocalización Lidia Butturini de Panaro, quien se desde ese momento se convertiría en una persona determinante en su formación básica y futuro artístico. Ya en 1948, se encontraba cantando con en el seudónimo de Morella Kenton en Radiodifusora Venezuela, incursionando luego en la televisión, en el programa del famoso animador Víctor Saume.

En 1953, a instancias de la profesora Panaro, ingresó a la Escuela Superior de Música, en Santa Capilla para estudiar canto, teniendo a Inocente Carreño y Raimundo Pereira en teoría y solfeo, a Vicente Emilio Sojo, en armonía, y Juan Bautista Plaza en historia de la música y estética musical. En este período ingresó al Orfeón Lamas, que para ese entonces dirigía el maestro Sojo, ofreciendo en dicha escuela su primer concierto clásico. En 1957, tras egresar de la escuela, viajó a Tanglewood (Inglaterra) a participar en el curso de verano de Berkshire Music Center. En 1958 viajó nuevamente a Europa, donde estudió interpretación de música de cámara en la Academia Santa Cecilia de Roma, bajo la dirección de Giorgio Favaretto, y simultáneamente cursó italiano en el Instituto Dante Alighieri. Luego de esto pasó a la Academia Superior de Música y Arte de Viena en la cual hizo el curso completo de canto. Asimismo, durante este tiempo estuvo en Quekhoven (Holanda), donde realizó cursos de canto e interpretación con Noemí Perugia. Circulaban entonces en Venezuela sus discos 6 canciones venezolanas de Antonio Estévez y Canciones de América, selección de spirituals y composiciones que cantó en marzo de 1957 en su concierto de música panamericana ofrecido en el Museo de Bellas Artes de Caracas.

En 1961 cantó en el Palazzo Forte de Verona, bajo los auspicios de la Academia de Cultura Musical de dicha ciudad, ganó el Premio Primavera de Praga, certamen internacional para cantantes de formación académica. Ese mismo año contrajo matrimonio con Pedro Álvarez Ibarra de cuya unión nacieron 2 hijos. Tras regresar a Caracas, se incorporó al Quinteto Contrapunto, cuyo primer disco de una serie de 5 fue grabado en 1962. Luego volvió a Europa y en Londres tomó clases particulares con Vera Rozna, como parte de un curso de perfeccionamiento técnico vocal. A la vuelta al país circuló su disco producido en Inglaterra titulado Canciones infantiles venezolanas. En 1967 salió a la luz el disco Alirio y Morella de canciones, tonadas y aguinaldos venezolanos, interpretados por ella y el guitarrista Alirio Díaz. También por este tiempo circuló el disco Morella Muñoz canta aguinaldos venezolanos, con Giomar Narváez al piano y Federico Reyna al cuatro, de una serie dedicada a aguinaldos tradicionales con participación de varios artistas.

Además de sus numerosas presentaciones en todo el país, individuales y con figuras como Ignacio "Indio" Figueredo y Freddy Reyna, participó en varias giras, cantando no sólo en las respectivas capitales sino en otras ciudades importantes de Europa y América. Como reconocimiento a su talento, fue la única cantante de América del Sur que fue incluida entre los nuevos valores del siglo XX, en la Enciclopedia de la música (Alemania 1959/España 1970) dirigida por Fred Hamel y Martín Hürdimann. En cuanto a su repertorio, en el campo folklórico Morella Muñoz, interpretó canciones indígenas, religiosas populares, melodías infantiles tradicionales, cantos de trabajos, motivos agrarios y afrovenezolanos, composiciones urbanas contemporáneas, y en el campo académico sus interpretaciones incluyeron el concierto, la misa, el oratorio, el réquiem, la canción de arte y la ópera, recordándose en este último género su rol de Doña Bárbara en la obra homónima. Fue considerada por muchos como la mejor intérprete latinoamericana de Brahms. Asimismo, fue especialista en Schubert, Schumann, Wolf, Bach, Handel y Mahler. Cantó con la orquesta de Cámara de la UCV, la Orquesta Sinfónica Venezuela, la Orquesta Filarmónica de Caracas y la Orquesta Nacional Juvenil Simón Bolívar, siendo solista en obras como el Réquiem de Mozart, El Mesías de Handel, Gloria de Vivaldi y la Novena sinfonía de Beethoven. En 1982 apareció una edición antológica de 12 discos, acompañada del libro testimonial La invención del canto de Carlos González Vegas. En 1988 fue la voz inaugural del Primer Pregón de la Navidad Caraqueña, celebrado en la plaza Bolívar de la capital. Entre 1989 y 1992 se desempeñó como asesora del ministro de Estado para la Cultura, con aportes concretos para la creación de la Dirección de Desarrollo Regional de dicho organismo. En 1994 fue publicado en su honor por Disco Club Venezolano, un álbum contentivo de un disco compacto y un libro, titulados Morella Muñoz, nuestra voz. A lo largo de su vida artística recibió numerosas distinciones, entre ellas el Premio Nacional de Música en 1992.
Fuente:      http://www.fundacionmorellamunoz.org/ 

 

 

 

 

Morela muñoz - polo margariteño

Morela Muñoz

 

 

Morela muñoz - el ausente

Morela Muñoz

 

 

Morella muñoz - zumba que zumba

Morella Muñoz

 

 

Morela muñoz - anhelo

Morella Muñoz

 

 

Morela muñoz - las bellas noches de maiquetia

Morela Muñoz

 

 

Morela muñoz - el parrandero

Morela Muñoz

 

 

Morella muñoz - cantos indígenas

Morella Muñoz

                   

 

  

Venezuela - morella muñoz - sombras

Morella Muñoz

                                                                                                                                                       

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

CESARIA EVORA : Para Llorar en Silencio...

Cesária Évora , nacida el 27 de agosto de 1941 en la ciudad portuaria de Mindelo, en la isla de São Vicente (Cabo Verde), es una cantante conocida con el sobrenombre de la reina de la morna . También se la llama "la diva de los pies descalzos", debido a su costumbre de presentarse descalza sobre los escenarios en solidaridad con los sin techo y las mujeres y niños pobres de su país. Entre otros reconocimientos recibidos por Évora sobresale el premio Grammy de 2004 al mejor álbum de world music contemporánea.

El blues caboverdiano de Cesária Évora rememora la larga y amarga historia de aislamiento del país y del comercio de esclavos. Trata también de los actuales fenómenos migratorios que afectan profundamente a un país donde son más los nacionales que viven fuera que la población residente.

La voz personalísima de Cesária Évora, acompañada de instrumentos que le confieren un toque melancólico, resalta la nota emocional: estamos ante una música que conmueve profundamente, aunque no se capte el significado de las palabras.

Fuente: http://www.flujosmigratorios.org/culturayocio.php

 

ELLA:

“Mis canciones tratan de cosas perdidas y nostalgia, amor, política, inmigración, y realidad,” ha explicado. “Nosotros cantamos sobre nuestra tierra, sobre el sol, sobre la lluvia que nunca llega, sobre la pobreza y problemas, y sobre cómo vive la gente en Cabo Verde.”

"Cuando tengo nostalgia canto y me repongo"

 

 

 UNAS PALABRAS PARA EVORA:

Mujer, yo te esperaba como se espera a los navíos.
Y te llevaría sobre mis hombros como dulce lluvia.
Me bebería la grave caricia de tu voz, me dormiría en ella en las mañanas
Mujer de luz y de mar,
que reunes en tu cuerpo la fuerza del fuego y del agua, saludo en tu sangre el nacimiento del mundo y su medida, en tus caderas incendiadas por soles ancestrales
Mujer, puerta encantadora donde retozan todos los misterios sonoros del alma.
Sonríes en el llanto, calmas todas las fiebres, mientras toda la claridad te persigue.
Canta para mí, con la miel perfumada de tu voz, una canción desconocida.

 

 Frida

EN SILENCIO:

                    Tal vez aquella consigna de "Amor es..." a la que cada quien añadía su propia teoría, pueda servir para explicar esa sensación de sollozo que se siente cuando suena en la voz de Cesaria Evora. Amor es, entonces, buscar en la intimidad del corazón las razones  del canto, el propio nombre pronunciado,  grabado con fuego en los mares y los cielos de la patria y sus motivos de lucha. También es la tristeza que estremece, la quietud luminosa del silencio, un llanto frente al mar, con motivos o sin ellos. La voz de Cesaria Evora conmueve ( ya se ha dicho), por muchas razones, pero, especialmente, porque desliza dentro del alma de quienes la escuchamos una procesión interna de ausencias, distancias, nostalgias un dejar correr las heridas sin dolor, un revivir las emociones secretamente guardadas. Esa voz contiene toda la belleza que puede caber en una lágrima de tristeza o de alegría, pero, especialmente, de amor. Ella nos brinda el escenario para derramarlas en silencio. Somos afortunados. Frida.

 

 

Cesaria evoria - tiempo y silencio

Cesaria Evora

 

 

10 regresso

Cesaria Evora

 

 

01 - sodade

Cesaria Evora

 

 

Cesaria evora - cabo verde

Cesaria Evora

 

 

Cesaria evora - besame mucho

Cesaria Evora

 

 

10 - petit pays

Cesaria Evora

 

 

 

 

 

 

 

EDITH PIAF : Todo me Importa Poco si tú me Amas...(l'hymne á l'amour)

Nació el 19 de diciembre de 1915 en el patio de la comisaría del barrio Belleville, de París. Hija de un acróbata y de la italiana Line Margrant, cantante de cafés, que estaba borracha y drogada cuando sintió los dolores de parto. Salió a la calle y la encontraron sus vecinos tirada y balbuceante. Trabajó en la compañía de su padre hasta que la dejaron al cuidado de la abuela para dedicarse a sus giras por los pueblos de la campiña francesa. Su abuela Clarissa la crió con vino en lugar de agua, pues decía que ésta era "mala" para el cuerpo; su tía, quien vivía con ella, dirigía un burdel. No hablaba, no se reía, no caminaba y encima tuvo una meningitis que la dejó ciega. El único gesto amoroso de la abuela fue llevarla a la Iglesia de Santa Teresita de Lisieux y encomendársela a la virgen. Dicen que un milagro le devolvió la vista. Con 15 años se trasladó a París, donde se ganaba la vida como cantante en la calle y en cafés. En el año 1935 fue descubierta por el propietario de un cabaret que la bautizó con el nombre de la Môme Piaf (el pequeño gorrión). A los 16 años queda embarazada y tiene una niña que muere a los dos años de meningitis. Su potente voz y su expresivo estilo al interpretar canciones como "Je ne regrette rien" y "La vie en rose" le dieron fama. Actuó en películas, comedias y operetas. Realizó giras por Europa, Sudamérica y Estados Unidos. Tuvo relaciones amorosas con grandes celebridades como Charles Aznavour, Ives Montand y Jaques Pills, con quien se casa. Se traslada a Nueva York y su éxito crece. Fue muy amiga de Marlene Dietrich. Enamorada del boxeador Marcel Cerdan vive con él una apasionada relación durante dos años; la muerte del púgil en un accidente de aviación destroza a Edith; recurre al alcohol y a los calmantes para poder seguir cantando. En 1962, cuando se acerca a la cincuentena, se casa con un muchacho de 27 años. Ganó millones durante su carrera, aunque murió en la ruina, víctima de la morfina a la que se había habituado. Falleció el 11 de octubre de 1963. Cuarenta mil personas caminaron en silencio por París hasta su tumba en el cementerio de Père Lachaise. En 1958 se publicaron sus memorias con el título de Au bal de la chance.

 

 

 

LAS COSAS MALAS NUNCA LAS SIENTO CUANDO TÚ ESTÁS AHÍ......

La más grande de todas, no hay otra frase para describir a  Edith Piaf.  Una voz que denuncia dolor y ternura simultáneamente sentidos, tristeza asomada a la sonrisa, amor del cuerpo, amor del alma esparcidos en los jardines de una juventud deshecha y terrible. Pero también un canto a la esperanza y al atreverse en un permanente reto a la misteriosa lámpara que abrió la luz de sus ojos. Sueños de pan y de gloria, hambre de un amor que saborea con los ojos cerrados. Un escapar hacia adelante de sí misma. Un camino de espinas y de sombras que encendió la pena y la llama de su corazón. Una luz que brilló por encima de todas las máscaras. Todo eso es Edith Piaf, una vida marcada por la trsite desnudez que existe sobre la tierra pero que, a cambio, muestra también sin dudas, su victoria sobre la muerte. Ella, que guardó la noche en sus vestidos, el susto infantil en sus pies nerviosos, hizo también florecer perpetuas primaveras en el camino del amor. Grande, la grande...no hay otra, digna también de las palabras de otro grande: Paul Eluard.

 

                                                                                                                                Frida.

Paul Eluard

TE AMO

Te amo por todas las mujeres que no he conocido.
Te amo por todos los tiempos que no he vivido.
Por el olor del mar inmenso y el olor del pan caliente.
Por la nieve que se funde por las primeras flores.
Por los animales puros que el hombre no persigue.
Te amo por amar.
Te amo por todas las mujeres que no amo.

Quién me refleja sino tú misma me veo tan poco
sin ti no veo más que una planicie desierta.
Entre antes y ahora
están todas estas muertes que he sorteado sobre paja.
No he podido atravesar el muro de mi espejo.
Tuve que aprender la vida como se olvida
palabra por palabra

Te amo por tu sabiduría que no me pertenece.
Te amo contra todo lo que no es más que ilusión.
Por el corazón inmortal que no poseo
crees ser la duda y no eres sino razón.
Eres el sol que me sube a la cabeza
cuando estoy seguro de mí. 

 

 

 

02. Edith Piaf - Milord

Edith Piaf

 

 

07. Edith Piaf - Padam Padam

Edith Piaf

 

 

05. Edith Piaf - Cri du coeur

Edith Piaf

 

 

09. Edith Piaf - L'hymne à l'amour

Edith Piaf

 

 

11. Edith Piaf - Non, je ne regrette rien

Edith Piaf

 

 

 

 

 

 

 

ALFREDO ZITARROSA : "Esta canción que Solloza"...

Cantante y compositor uruguayo, considerado uno de los mas reconocidos representantes de la cancion popular y de protesta de Latinoamerica. Alfredo Zitarrosa Mucho antes de que se transformara en una de las personalidades mas significativas de la cancion latinoamericana, desempeño diversos oficios: fue locutor en Radio Ariel, actor teatral, periodista y poeta. En 1959, obtuvo el Premio de Poesia concedido por la Intendencia de Montevideo con su libro Explicaciones , que nunca quiso publicar. Debuto como cantor popular junto a Cesar Calvo y Martin Torres en 1961, iniciando una carrera artistica marcada por sus numerosas variaciones de la milonga, su genero preferido. Pese al caracter universalista de su compromiso politico, no creia en las canciones universales, y toda su capacidad de creacion se nutrio de la singularidad de su pais. Desde esta perspectiva estetica, creo canciones imperecederas, como Guitarra negra , Adagio en mi pais , El violin de Becho , El candombe del olvido y Canto de nadie . Sus canciones fueron prohibidas tras el golpe militar de 1973, tras el que inicio su exilio, primero en España, y luego en Mexico, donde compuso gran parte de sus obras tardias. En 1984 volvio a Montevideo, donde una multitud lleno la rambla para recibirlo. En 1988 publico su ?nico libro de cuentos, Por si el recuerdo . (Santiago Vazquez, 1936 - Montevideo, 1989)
fuente : biografiasyvidas.com

 

 

 

HACER SENTIR

Si algún trovador dejó un legado de luz sobre esta tierra , ese fue Alfredo Zitarrosa. Una veneración de todos por la inmensa humanidad que regala a todos aquellos que escuchamos sus canciones y no podemos dejar de conmovernos frente a sus interpretaciones. Letra y canto conjugan poesía en su mensaje, siempre solidario y cargado de una energía vital que contrasta con su austeridad personal. Militante y cantor del sentir popular, Zitarrosa trasciende su viaje silencioso para volver a la cabalgar la memoria del amor y del dolor, fuente inagotable de sus producciones musicales. Con una profunda sencillez define sus razones existenciales, su canto se abre a lo siempre nuevo, vigente.

 "Me hacen sufrir las alas que me puse para volar, mas grito y se alzan, gimo y me acompañan, rio y baten de a dos, como que están amandose y se odian, sin embargo mis dos alas se odian, se enderezan, se hacen amigas mías para llevarme por todas partes: allá está la canción, aqui la nada. . . "

 

La íntima transparencia de su voz recorre la muerte, el amor, la vida, en un afán de crear un lenguaje que invente una nueva forma de entenderse, de comprenderse y de amarse a los hombres. Sin dudas, escuchar a Zitarrosa es contemplar en los propios ojos el pensamiento de todos, gobernado por luces que siguen generando luz y sombras sin derecho a apagar la palabra. Esa misma que recorre cada uno de los cielos que, en nosotros, devuelven a los sueños su color.

                                                                                                                  Frida.

 

 

06 - el violin de becho

Alfredo Zitarrosa

 

02 - pa'l que se va

Alfredo Zitarrosa

 

15 - tanta vida en cuatro versos

Alfredo Zitarrosa

 

14 - guitarrero viejo

Alfredo Zitarrosa

 

 

03 - explicacion de mi amor

Alfredo Zitarrosa

 

06 - guitarrero

Alfredo Zitarrosa

 

04 - zamba para vos

Alfredo Zitarrosa

 

 

11 - candombe del olvido

Alfredo Zitarrosa

 

 

 

08 - stefanie

Alfredo Zitarrosa

 

IL POSTINO : "El Mundo es una Metáfora de Otra Cosa"...

IL POSTINO

- Desde hace algunos meses merodea mi hostería ese tal Mario Ruoppolo. Este señor se ha insolentado con mi hija de apenas dieciséis años.
- ¿Qué le ha dicho?
La viuda escupió entre los dientes:
- Metáforas.
El poeta tragó saliva.
- ¿Y?
- ¡Que con las metáforas, pues Don Pablo, tiene a mi hija más caliente que una termita!
- Es invierno, Doña Rosa.
- Mi pobre Beatríz se está consumiendo entera por ese cartero. Un hombre cuyo único capital son los hongos entre los dedos de sus pies trajinados. Pero si sus pies bullen de microbios, su boca tiene la frescura de una lechuga y es enredosa como un alga. Y lo más grave, Don Pablo, es que las metáforas para seducir a mi niñita las ha copiado descaradamente de sus libros.
- ¡No!
- ¡Sí! Comenzó inocentemente hablando de una sonrisa que era una mariposa. ¡Pero después ya le dijo que su pecho era un fuego de dos llamas.

 

IL POSTINO (EL CARTERO)

La banda sonora de la película fue compuesta por Luis Enríquez Bacalov, pianista compositor y director de orquesta argentino, ganó el Oscar en esa oportunidad. Un aroma de dulce de manzanas susurra la melodía, teje una caricia de sueños, que perfuman el aire, el cielo y el mar que sirve de contexto a este encuentro del hombre con la palabra. Suficiente motivo para celebrar la vida.                  

 

Il postino - luis bacalov

Luis Bacalov

 

 

Madreselva - Luis Bacalov ( Francisco Canacaro)

Luis Bacalov